要说“世界上最有名的美术作品是什么”，相信很多人会回答，达芬奇的《蒙娜丽莎》。这张现存于卢浮宫的传世之作，用她那富有别样魅力的独特微笑，每年吸引着众多游客前往驻足观看。

不过，你有没有想过，撇开艺术价值和作者名气不论，《蒙娜丽莎》这张作品本身为什么会吸引人呢？

要知道，绘画和摄影在很多方面是有共通点的。《蒙娜丽莎》的成功之处，对我们进行人像摄影创作，同样有重要的参考意义。技巧君今天将带着您对《蒙娜丽莎》进行赏析，希望能为您的人像摄影创作提供新思路。

1. 构图

我们今天看蒙娜丽莎，会觉得这符合的构图是相当“常规”“标准”，没有什么出彩之处——这就对了。

事实上，在创作出这幅画的时候，它的构图在当时是相当突破性的，甚至创造了几个世纪以来，在绘画、摄影领域的“标准套路”，这正是你觉得这张画的构图“很普通”的真正原因。

蒙娜丽莎使用了著名的“金字塔”型构图：身和双臂呈近三角形结构，显得比较沉稳、庄重；同时双手又形成了一个前切的锐角，有助于把观众视线吸引到真正的主体——她的身体，脸，以及那个著名的神秘微笑上。

对我们的启示：相同形式的构图，在我们拍摄“正经”“严肃”风格的半身人像时仍然用得上——或许它不一定是更佳的构图，但肯定会是一个很不错的构图。

2. 姿势

同样的道理，蒙娜丽莎的姿势在现在看来不太出彩，但在当初是很有革命性的——当时的“主流”肖像，往往动作都比较僵硬，而且喜欢画大正面，让脸部完全对称。

而蒙娜丽莎则是靠在椅子的扶手上，双手自然地交叉在一起——这使得她的神情比较放松；身体微微转向一侧，这样让脸部在大致对称的同时，又不至于过度呆板。

给我们的启示：蒙娜丽莎这张作品的成功，很大程度上来自于她那富有魅力和神秘感的微笑——而模特往往要在很放松的前提下，表情才会更好。别一上来就急着摆你设计好的复杂 POSE，先聊聊天，再从简单动作做起，“热热身”吧。

3. 用光

或许这是蒙娜丽莎这张作品中最有“技术性”的一个方面，达芬奇使用光线把观众的视线吸引到他想要突出的部分——模特的脸部和手部，并通过把手和脸安排在彼此相对的位置，来平衡画面整体布局。

达芬奇还通过使用高光和阴影，来强化图像局部的立体感与质感——尤其是蒙娜丽莎脖子周边的区域，以及手臂部分衣服的褶皱。

给我们的启示：想一想，你想要拍出什么效果，再想想怎么用光。光线可以引导观众的视线，也可以通过光影来创造或者“抚平”褶皱。

4. 服装

在蒙娜丽莎这张作品中，模特穿着的是不鲜艳、不显眼，“低调”的衣服——和当时“主流”肖像作品崇尚的鲜艳色彩夸张衣物背道而驰，却为后来者提供了开创性的思路。

虽然模特的连衣裙有着相当多的细节（精细的蕾丝），但总体而言这些衣物都没有“喧宾夺主”，并没有分散观众对模特脸部的注意力；另外，模特也并没有戴当时妇女常见的项链、珠宝等首饰。

给我们的启示：衣服是一种很容易分散主体注意力的画面元素。在拍摄“大风光小人像”类型的作品时，它们可以帮助你的主体更“吸睛”，但在拍摄半身照和大头照时，它们可能会起到反效果。别让它们“喧宾夺主”。

5. 取景

许多人都注意到《蒙娜丽莎》里的一个细节：在模特肩膀高度，画面的位置上有两个半圆的球状物体：

这到底是什么东西呢？根据研究者称，现在我们看到的蒙娜丽莎作品是“缩减版”，原版其实更大，包含了两侧的一些景物，只是后来被画家裁掉了。

最被广泛接受的理论上，“原始版本”的图像中，蒙娜丽莎其实是坐在一个阳台上，它身后是栏杆（背景中的水平线条）、下方的风景，还有两个柱子——两个“圆球”，正是栏杆的基部结构。

研究者认为，“完整版”蒙娜丽莎应该如右图所示

如果这个推测属实，达芬奇对作品裁剪的目的也呼之欲出——原先的两个柱子是强有力的线条，很容易分散观众对主体的注意力，把它裁掉能让观众把注意力更多地集中在主体上。

对我们的启示：背景中很可能存在干扰元素，尤其是一些存在感强的物体（如色彩鲜艳的物体，文字标语，明显的线条等）；你需要在取景构图时考虑这一点，毕竟，后期裁剪的“二次构图”多多少少都会导致画质的损失。